Comentar una obra de arte

¿CÓMO OBSERVAR Y COMENTAR UNA OBRA DE ARTE?
Museo de Bellas Artes de Asturias (Oviedo)

Para acercarnos a la comprensión de una obra de arte es necesario obtener de ella la mayor información posible sobre aspectos relativos a cómo se hizo, para qué sirve, qué nos quiere comunicar…

ASPECTOS GENERALES

Hay una serie de aspectos en los que nos podemos finar cuando analizamos una obra de arte que son comunes para las distintas manifestaciones artísticas: arquitectura, pintura, escultura.
1. Situar la obra:
· Clasificación: ¿se trata de una de las artes Plásticas (arquitectura, pintura y escultura)? Es un ejemplo de arte Decorativa (bien subordinadas a la arquitectura, como los mosaicos, vidrieras, yeserías, etc., bien exentas como la miniatura, el grabado, la orfebrería, los esmaltes, la cerámica …), o de otras manifestaciones más modernas como el vídeo, el arte informático…
· Autor (si se conoce). ¿Qué consideración tenía en su tiempo?, ¿sabemos algo de su personalidad?…
· Tiempo-cronología (¿cuándo se hizo?). Año, siglo, cultura-civilización.
· Espacio (¿dónde está?).¿Se encuentra en su lugar originario?…
· Estilo artístico. Es decir, las características comunes que se repiten durante una determinada época.
2. La época: Comentar los aspectos fundamentales del período histórico en que se produjo su construcción: qué tipo de sociedad había, qué mentalidad tenía la gente, qué grupos sociales financiaban el arte, cuáles eran sus gustos…El arte es reflejo de la sociedad del momento en que se crea.
3. Su finalidad. ¿Para qué se hizo?: Su función o utilidad (palacio, templo, pintura decorativa, escultura para una plaza pública…). Pero además el arte es un código más de los creados por el hombre para expresar y transmitir ideas y sentimientos, por eso la creación artística utiliza su propio lenguaje que es importante conocer mínimamente. ¿Qué valores o ideas plasma?, ¿por qué se realizó de esa forma concreta? ¿sigue la tendencia dominante de la época o es una obra innovadora?…
4. La técnica: En la medida que la actividad artística exige ciertas destrezas, los conocimientos técnicos que se tienen influyen inevitablemente en la obra final. Naturalmente la técnica es muy diferente según se trate de una manifestación artística u otra (arquitectura, escultura…)
OTROS ASPECTOS ESPECÍFICOS
ARQUITECTURA:

Iglesia de San Pietro in montorio (Roma)

1. Aspectos formales y técnicos, ¿cómo se hizo?:
· Materiales de construcción (influencia del medio). Da sensación de pesadez o de esbeltez…
· La/s fachada/s, ¿cómo son?
· Tipo de planta: rectangular, circular, en cruz griega, en cruz latina, irregular…
· Alzado: pisos, columnas, pilares, muros, vanos, arcos…
· Cubierta: tipo de techumbre (a dos vertientes, cúpulas, bóvedas, dinteles), hecha de madera, piedra….
· Decoración: pintura mural, esculturas, motivos geométricos, figurativos…
· La proporción: ¿existe un módulo a partir del cuál se construye?
· La luz y el color: cómo incide la luz en el exterior y en el interior, qué ambiente crea, está pintado el edificio…
· El ritmo: ¿existe?, ¿cómo se aprecia?
ESCULTURA:

Faraón y su esposa

1. El tema o iconografía: qué representa la escultura (¿es una obra religiosa, civil, mitológica…?).
2. Aspectos formales y técnicos:
· Material: bronce, mármol, madera…
· Tipo de escultura: bultoredondo, relieve, busto, realista, abstracta…
· Acabado: está pulida, pintada, rugosa….
· Composición: ¿hay una sola figura o varias, cómo se distribuyen las figuras, tienen frontalidad, hay simetría…?
· La proporción: ¿existe o no?, ¿hay un canon?
· Movimiento: las figuras aparentan quietud o movimiento, ¿cómo consiguen estos efectos?
· Expresión: ¿dan sensación de angustia, euforia, serenidad…?, ¿cómo se aprecian?…
· La luz: ¿hay zonas más claras u oscuras que otras?…
  • Color: ¿está pintada o lo estuvo? ¿qué colorido presenta?…
PINTURA:

Ábside de la iglesia de San Vicente de Tahull (Lérida)

1. El tema o iconografía: ¿qué representa?: ¿es una obra religiosa, mitológica, un retrato, abstracta, una escena de vida cotidiana…?
2. Aspectos formales y técnicos:
· Soporte o material sobre el que se asienta (muro, madera, lienzo…).
· Técnica pictórica (fresco, temple, óleo, acuarela…).
· La composición: ¿cómo se organiza la superficie pintada, hay una sola figura o varias, cómo se distribuyen las figuras o los objetos, hay simetría o frontalidad…?.
· La perspectiva: ¿existe?, ¿de que tipo es, cómo se logra la profundidad?
· El volumen: las figuras u objetos parecen ser tridimensionales ¿cómo se logra?
· El color: ¿qué colores predominan? ¿son cálidos o fríos?, ¿cómo es la pincelada pequeña o amplia…?
· La luz: ¿de dónde proviene la luz en la pintura, la obra es luminosa, oscura, hay fuertes contrastes entre luces y sombras, qué parte de la pintura destaca la luz…?
· Dibujo: ¿existe dibujo?, ¿tiene líneas gruesas o tenues?…
· El movimiento: ¿las figuras aparentan quietud o movimiento, cómo?
· La expresión: ¿dan sensación de angustia, euforia, serenidad, por qué…?

Aspectos de la significación en el arte contemporáneo – Roberto Valcárcel, THD, T.C.I.

Obra del artista Juan Fernández Herrán (*Colombia 1963)

En tanto categoría cualitativa (no sólo en su acepción simplista de temporalidad) el arte contemporáneo posee diversos rasgos que lo diferencian de otras maneras de hacer arte. Me gustaría comentar dos de esas características ya que son las que talvez más confusión ocasionan, tanto entre los estudiantes como en la actividad crítica y más aún en el público en general.

1. POLISEMIA
La polisemia consiste en la capacidad que posee un objeto o evento artístico de tener o, mejor dicho, permitir múltiples significados.
La cantidad exacta de tales significados no se puede determinar ya que depende en gran medida de la capacidad significadora que posea cada individuo que vea la obra. En el arte contemporáneo, cuantos más posibles significados permita la pieza, mejor.
La polisemia no es en absoluto un fenómeno exclusivo del arte contemporáneo. Existen innumerables ejemplos de polisemia a lo largo de la historia del arte. La sonrisa de la Monalisa es el más conocido. Sin embargo, es recién en el arte moderno y contemporáneo donde la polisemia adquiere una innegable preponderancia.

Obra del artista Petros Chrisostomou (*Londres 1981)

Se podría argumentar que cualquier obra es polisémica aduciendo que un cuadrito al óleo que representa una manzana sobre un plato puede tener múltiples significados dependiendo de cada quien. Pero no es así. El hecho de que el cuadro signifique en primera instancia “manzana sobre un plato” ya elimina, o al menos limita notablemente, la posibilidad de lecturas más variadas.

La polisemia es fundamental ya que permite al espectador de la obra dejar de ser espectador, dejar de ser un ente sumiso, pasivo, y le motiva a explorar (crear) múltiples posibles significados convirtiéndose en partícipe activo y creativo del hecho artístico. La polisemia garantiza, en cierta medida al menos, la libertad cognitiva del individuo que se encuentra frente a la pieza.

El comprender la operatividad de una obra de arte a partir de la polisemia tiene importantes consecuencias en la pedagogía del arte y en la actitud del artista: Como ejemplo, baste indicar que el artista tendría que olvidar sus ansias comunicativas, sus ansias expresivas y sus ansias explicativo-justificativas, para dar lugar a un perfil más…modesto. Cuando al genial cineasta David Lynch se le planteó, a manera de reclamo, que mucha gente no entendía sus películas, el respondió humildemente “Yo tampoco entiendo mis películas”.

Sin título. Obra de la artista Andrea Fischer (*Bolivia 1982) Materiales plásticos.

2. MARCO SEMÁNTICO
Muchos estudiantes piensan que la obra polisémica puede significar cualquier cosa. A menudo surge el argumento de que “cada quien tiene la libertad de interpretar la obra como quiera, cada quien puede ver las cosas como le guste o le convenga”. No creo que ese sea el caso en el arte contemporáneo. Pienso que la polisemia no esilimitada. Dudo que haya cosas o formas que signifiquen cualquier cosa, o sea que puedan significar todo. Si así fuera, la obra de arte sería un caos semántico.

Obra del artista Anish Kapoor (*Bombay 1954)

Por marco semántico entiendo el rango o espectro de posibles significados que una obra permite o provoca , y por posibles entiendo que estos tendrían que poder ser comprendidos o compartidos por otras personas. Si “dar significado” tiene algo que ver con “asociar”, los significados que se den a una pieza tendrían que estar respaldados por relaciones o asociaciones verificables. En este sentido, no cualquier forma puede significar cualquier cosa. Me permito ilustrar el caso con un ejemplo sencillo:

Si un pintor presenta al público un cuadro completamente negro, la negrura del cuadro podría elicitar significados como noche, espacio sideral, infinitud, drama, miedo, muerte, duelo, luto, soledad, abandono, depresión, elegancia, sobriedad, exquisitez, dark, punk, rock metálico, diabólico, negación de la pintura figurativa, meditación profunda, etc., etc. Alguien podría decir que ese cuadro puede significar “cualquier cosa” y que depende de quién y cómo lo vea, pero no es así. Ese cuadro negro difícilmente podrá significar “alegría del carnaval”, o “inocencia infantil”, o “pureza de espíritu”, u “optimismo matinal”.

El cuadro negro puede tener muchos posibles significados, pero todos ellos deben estar de alguna manera justificados por una asociación plausible. Ese rango de posibles significados es el marco semántico. Es lo que permite aquello que Arthur Danto llama “aboutness” y que, a falta de mejores términos, traduzco por “referencialidad” o “de lo que trata la cosa”.Y esto  que es responsabilidad del artista.

Obra del artista Dino Valls (*Zaragoza 1959)

En síntesis, la obra de arte contemporáneo es polisémica pero no puede tener significados arbitrarios. Permite y provoca múltiples lecturas pero no tolera cualquier lectura. Es competencia del artista el lograr, mediante una morfología y una sintaxis adecuadas, la polisemia que garantice la libertad cognitiva del espectador. Pero, al mismo tiempo, es su responsabilidad el proponer un marco semántico relativamente definido, crítico, interesante, provocativo, generador de reflexión.

La crítica de arte nació de la mano de Diderot con sus Salones, a partir de 1759.  En ellos ponía su toque personal para alabar o criticar a los artistas que allí exponían.  Por ejemplo, alababa a Poussin, Rembrandt…mientras que destrozaba las imágenes pastoriles del Rococó.

Aquí empieza el germén de la crítica estética, que en el Romanticismo y el Eclecticismofloreció.  Sobre todo es en el Romanticismo, cuando la Ilustración había echado por tierra la relación entre el objeto y el sujeto, dando a la razón y la lógica el puesto protagonista en la historia.  Los románticos intentaron volver a la naturaleza, tomando conciencia del hombre, del mundo,…

Por ello, se dejó de pensar que la crítica tenía que ser un complemento de la propia obra, para comprenderla.  No como se realizaba antes, no como un juicio sobre ella.

Y llegó luego Baudelaire, que relacionaba el arte con la poesía, y que daba a la crítica del arte un toque subjetivo.  Daba importancia a la imaginación, a la originalidad de los artistas.  Un hecho importante en su crítica es que realizó una jerarquía de artistas y géneros (retrato, cuadros de género), y que imprimió en sus textos una retórica subjetiva especial en cada uno de ellos.

Más tarde, el arte moderno se coló en la historia.  A parte de otros movimientos, las vanguardias fueron las que pusieron en entredicho la forma de crítica de arte ya que es una forma nueva de ver el arte.  Ahí nació el germen de lo que hoy en día es la crítica de arte.

Algunos autores afirman que la crítica de arte tiene que tener un juicio de valor propio del crítico, mas otros contradicen esto.  Sin embargo, lo que está claro es que la crítica pretende ser un acercamiento al artista y a su obra, una crónica de un acontecimiento artístico…

El crítico no puede ser cualquiera, no nos engañemos.  Para criticar hay que conocer.  Como pensaba Miguel Ángel y los artistas de la maniera, para transgredir las normas clásicas hay que conocerlas.  Por eso, el crítico tiene que ser una persona con un nivel cultural muy alto.  Esto es así porque tiene que valorar la obra/exposición/loquesea no solo desde su punto personal, sino relacionándola con sus conocimientos artísticos enjuiciando los aspectos positivios y negativos.

Como se documenta en este artículo, hay que diferenciar también crítica y reseña.  Esta última es únicamente una nota informativa de un acontecimiento artístico, sin analizar puntos positivos ni negativos.

Por lo tanto, una crítica de arte actualmente es (basicamente): un argumentario, un juicio de valor, un razonamiento del valor o no de una obra, tiene que ser persuasivo, didáctico y sin prejuicios.  Así que una crítica tiene que ser constructiva, que nos ayude a entender lo que vamos a ver y que nos entretenga.

 Es un género de opinión que explica, analiza, argumenta y enjuicia las cualidades y los valores de una obra de arte

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